sábado, 22 de mayo de 2010

CORRAL DE COMEDIAS


En España, un corral de comedias es un teatro permanente puesto en el patio interno de unas casas. Estos lugares de escena aparecieron a finales del siglo XVI y acompañaron el vuelo prodigioso del teatro del Siglo de Oro.
Uno de los más importantes de España es el Corral de comedias de Almagro , en la comunidad autónoma de Castilla-La Mancha.
Durante este período, el teatro cobró una importancia extraordinaria en España, con autores mayores como Lope de Vega, Juan Pérez de Montalbán, Tirso de Molina y Pedro Calderón de la Barca. Nuevos modos de representación escénica aparecieron. Todas las obras teatrales profanas eran llamadas "comedias", aunque cubren tres géneros: la tragedia, el drama, y la comedia propiamente dicha.







HISTORIA

Antes de finales del siglo XVI no habían edificios dedicados al teatro. Los corrales eran para los burgueses pobres hijos de los nobles españoles. Representaciones de comedias se daban en el patio de casas o posadas. Un escenario improvisado estaba dispuesto en el fondo del patio. Los tres lados restantes servían de galerías para el público más pudiente. Los otros espectadores veían el espectáculo de pie, en el patio a cielo abierto. Esta estructura se conservó en los teatros permanentes construidos a partir de los finales del siglo XVI, llamados corrales de comedias. Ellos utilizaban el espacio cerrado, rectangular y descubierto del patio central de una manzana de casas.

En 1579, el Corral de la Cruz fue el primer teatro permanente construido en Madrid según este modelo para las cofradías. Estas instituciones de beneficencia pública obtenían sus fondos de las representaciones teatrales y de la explotación de los corrales.

El número de corrales de comedias aumentó rápidamente después de 1600, respondiendo al entusiasmo del público para esta nueva forma de espectáculo. Actualmente el corral de comedias más antiguo que se conserva (aunque solo parcialmente) es el Corral de Comedias de Alcalá, siendo el único completo el de Almagro, donde se celebra anualmente el Festival Internacional de Teatro Clásico.

Recientemente se han encontrado restos de un Corral de Comedia (actualmente en proceso de restauración) en Torralba de Calatrava. Por su tipología puede considerarse que la función teatral era secundaria. Se pretende integrar como nuevo escenario en el Festival Internacional de Teatro Clásico de la cercana población de Almagro. papasotesss relindoss.

CARACTERÍSTICAS
  • El escenario estaba instalado en un extremo del patio, contra la pared de la casa del fondo.

  • Frente al escenario estaba el patio descubierto, donde los hombres del pueblo, también llamados mosqueteros, asistían de pie al espectáculo. A sus lados había una serie de gradas, donde los hombres podían ver la representación sentados en bancos alquilados.

  • Los balcones y las ventanas de las casas contiguas formaban los aposentos reservados para las personas nobles, fueran hombres o mujeres.

  • Las mujeres de clase más baja debían sentarse en la cazuela, un palco frente al escenario. Encima de la cazuela de los corrales madrileños estaban los aposentos o palcos de los concejales del Ayuntamiento de Madrid y otras autoridades, como el Presidente del Consejo de Castilla. En el piso más alto estaban los desvanes, aposentos muy pequeños, entre los que se encontraba la tertulia de los religiosos y una segunda cazuela.
  • El escenario y las gradas laterales estaban protegidas por un tejadillo voladizo. Un toldo de tela permitía techar el corral para resguardar del sol el público del patio

Esta disposición se parece a la del teatro isabelino en Inglaterra.




LOS MÁS IMPORTANTES

CORRAL DE COMEDIAS DE ALMAGRO:

El Corral de Comedias de Almagro es conocido en todo el mundo por ser el único que permanece activo tal y como era hace casi cuatrocientos años. Está situado en la Plaza Mayor de Almagro y debe su construcción a Leonardo de Oviedo, presbítero de la Iglesia de San Bartolomé el Viejo de Almagro. En 1628, don Leonardo de Oviedo pidió permiso al Ayuntamiento para la edificación del corral en el patio del mesón del toro. Invirtió en la construcción más de cinco mil ducados, una auténtica fortuna de la época. En su origen el corral de comedias ocupaba una superficie de 622 m, algo más del doble de lo que se conserva en la actualidad.

La primera representación de la que se tiene referencia fue a cargo de la compañía de Juan Martínez en 1629, una de las doce compañías "de Título".

Durante el Siglo de Oro toda manifestación teatral era conocida como "comedia", salvo los autos sacramentales. El público acudía a la comedia, aunque lo representado fuera drama o tragedia.
Las representaciones se organizaban en función de las siguientes normas:

-La temporada comenzaba el domingo de resurrección y terminaba el miércoles de ceniza.


-Estaba prohibido fumar, por el riesgo de incendio.


-De octubre a abril la comedia empezaba a las dos de la tarde, en primavera a las tres y a las cuatro en verano, para finalizar antes de la puesta de sol. Su duración estaba entre cuatro y seis horas.


-La estructura de una función era: Loa, primera jornada (acto), entremés, segunda jornada, jácaras o mojigangas, tercera jornada y baile final.


-Los hombres y mujeres no podían estar juntos. Los hombres ocupaban el patio (en gradas laterales, bancos en el patio y de pié) y las mujeres en la grada de las cazuelas. El único sitio donde se les permitía estar juntos era en los aposentos de los corredores.


-Los niños no podían entrar.


-El precio de la entrada no era un precio global como hoy lo conocemos. Entonces se pagaban distintas entradas: una a la entrada, otra para la hermandad o beneficiario y otra para sentarse. La compañía raramente llegaba al 20 % de lo recaudado.


-En ciudades universitarias estaba prohibido representar entre semana para que los estudiantes no se distrajeran.


-Dos de las figuras más características de los corrales eran:

  • El mantenedor del Orden. Mozo recio del lugar que, provisto de un buen garrote, templaba los ánimos de todos aquellos que se exaltaban.
  • El apretador. Al no existir un aforo determinado, todo el que pasaba tenía derecho a sentarse...
    En los corrales de comedias no había aseos y las condiciones higiénicas no eran las más adecuadas. Con la llegada, a mediados del siglo XVIII, de distintos gobiernos ilustrados se empiezan a prohibir las representaciones en éstos locales. La falta de higiene, el riesgo de incendio, los desórdenes... A esto hay que añadir el desarrollo de una burguesía que no quiere asistir a las comedias en espacios incómodos y la aparición de espectáculos metateatrales como la ópera que requieren de espacios cerrados con un tratamiento acústico específico.

    A finales del siglo se decretó la prohibición total y los corrales sufrieron distintas suertes. La mayoría desaparecieron, otros se transformaron en teatros "a la italiana" (el Corral de Príncipe se transformó en el Teatro Español en Madrid) y el Corral de Comedias de Almagro se siguió utilizando como lo que siempre fue: una posada.
    La recuperación de este espacio dio origen al Festival de Teatro Clásico de Almagro. De carácter internacional, se celebra durante los meses de Julio en cinco espacios distintos teniendo como referente el corral de comedias.

CORRAL DE COMEDIAS DE ALCALÁ DE HENARES:


En 1601 Francisco Sánchez, carpintero de profesión, recibió en encargo por parte del Ayuntamiento de Alcalá de construir este Corral de Comedias en el espacio de la entonces llamada Plaza del Mercado.

Desde su apertura al público en 1602, siguió un proceso idéntico al de otros teatros europeos de la época: que fueron adecuándose a los tiempos con reformas estructurales acordes al estilo de los espectáculos a exhibir y a los usos sociales del público.

A su primera etapa como Corral de Comedias, pertenecen el patio empedrado, las gradas, aposentos, y la cazuela, esto es el espacio destinado al público femenino.

En el siglo XVIII se transformó en coliseo neoclásico, al techarse su patio mediante una cúpula sostenida por un meritorio entramado de vigas que mejoró la acústica y lo hizo un espacio ideal para el desarrollo de espectáculos de pequeño formato de canto y orquesta de cámara.

En el siglo XIX, su etapa romántica, fue cegada con una pintura sobre yeso la antigua techumbre y se construyeron los palcos distribuyéndolos en dos plantas en elipse alrededor del antiguo patio empedrado, que quedó así convertido en platea.

Finalmente, al principio del siglo XX, con la revolución cinematográfica, se instaló una pantalla de proyección para convertirlo en cine, y como tal mantuvo su existencia hasta los años 70 de dicho siglo.

Abandonado durante varias décadas al dejar de ser rentable como negocio, estuvo a punto de ser derruido, pero en los años 80 comenzó, con financiación institucional una lenta y rigurosa restauración que duró hasta el año 2003, en que el Corral de Comedias volvió a resurgir integrando armoniosamente en su arquitectura los tres estilos que marcaron toda su historia anterior.

Este espacio es hoy un teatro-museo vivo que, de la mano de la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid y del Ayuntamiento de Alcalá de Henares mira hacia el siglo XXI con la ilusión de seguir incorporando experiencias a sus ya cuatro siglos de historia.

Desde el 10 de enero del año 2005, a requerimiento de la Consejería de Cultura, la Fundación Teatro de La Abadía se ha hecho Cargo de la gestión y programación del Corral de Comedias de Alcalá de Henares, que abrió sus puertas a esta nueva etapa como espacio teatral con programación permanente con el concierto inaugural, celebrado el 2 de abril de 2005, "Músicas del Quijote" dirigido por Jordi Savall e interpretado por la Capella Reial de Catalunya, que contó con la asistencia de la Presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, el Consejero de Cultura y Deportes, Santiago Fisas y el Alcalde de Alcalá de Henares, Bartolomé González.

CORRAL DE COMEDIAS DEL PRÍNCIPE VIRTUAL:


El Teatro del Príncipe o Corral del Príncipe fue un corral de comedias de la ciudad española de Madrid. Se comenzó a edificar el 7 de mayo de 1582 y fue inaugurado el 21 de septiembre de 1583 con una pieza representada por Vázquez y Juan de Ávila. La propiedad del mismo era de la Cofradía de la Pasión y de la Soledad, la cual, aproximadamente en 1580, al mismo tiempo que adquiría el Corral de la Pacheca compró dos casas pertenecientes al doctor Álava de Ibarra, médico de Felipe II, y otra que fue vendida por don Rodrigo de Herrera. En tal lugar, en la calle del Príncipe y aledañas, se levantó este lugar fundamental en la historia del teatro clásico español del Siglo de Oro.


El teatro constaba de tablado, vestuario, gradas para hombres, 95 bancos portátiles, corredor para las mujeres, aposentos o balcones con ventanas de hierro y rejas o celosías, canales maestras y tejados que cubrían las gradas. El patio fue empedrado y se confeccionó un toldo que defendía del sol «pero no de las aguas».


Posteriormente se edificó en el solar un teatro de obra, que fue uno de los más importantes del país. En 1849 se convirtió en el actual Teatro Español, que es el único teatro de Madrid que realmente se corresponde con un antiguo corral de comedias.

viernes, 14 de mayo de 2010

Tirso de Molina.





Tirso de Molina, uno de los grandes dramaturgos del Siglo de Oro español, nace en 1584 y muere en el año 1648 en Almazán.

Fiel a Lope de Vega en su obra dramática, sólo se diferencia de él por el análisis más profundo de la psicología de sus protagonistas, fundamentalmente tipos femeninos que se caracterizan por una variedad y matización inusitada en el teatro español de la época.

Respecto a su vida se conocen pocos datos. Se ordenó en el convento mercedario de Guadalajara (1601) y entre 1614 y 1615 vivió en el monasterio de Estercuel. En 1616 viajó a Santo Domingo, de donde regresó dos años más tarde.

Una Junta de Reformación le condenó a destierro de la corte por escribir comedias profanas.

En 1626 estaba de nuevo en la corte y fue nombrado comendador del convento de Trujillo. Fue confinado en el convento de Cuenca por orden del P. Salmerón, visitador general, al parecer por las mismas causas que promovieron su destierro.

Es nombrado cronista de su orden en 1632 y fue comendador del convento de Soria en 1645 y definidor provincial de Castilla al año siguiente.

Es asombrosa su gran fecundidad como autor: dejó unas 300 comedias, que se imprimieron en cinco partes: Primera parte (Sevilla, 1627); Segunda parte (Madrid, 1635); Tercera parte (Tortosa, 1634); Cuarta parte (Madrid, 1635), y Quinta parte (Madrid, 1636).

Como dramaturgo religioso, escribió varios autos sacramentales ( El colmenero divino , No le arriendo la ganancia , El laberinto de Creta ), comedias bíblicas ( La mujer que manda en casa , sobre la historia de Acab y Jezabel; La mejor espigadera , sobre Ruth; La vida y muerte de Herodes ; La venganza de Tamar ) y comedias hagiográficas (la trilogía de La Santa Juana , La ninfa del cielo , La dama del Olivar ). Extrajo de las historias y leyendas nacionales argumentos de numerosas comedias: la trilogía de los Pizarro ( Todo es dar en una cosa , Amazonas en las Indias y La lealtad contra la envidia ); la historia de Martín Peláez ( El cobarde más valiente ), o la de María de Molina ( La prudencia en la mujer ). Entre las comedias de carácter destacan Marta la piadosa y El vergonzoso en palacio . Al grupo de comedias de intriga pertenecen La villana de Vallecas , Desde Toledo a Madrid , Por el sótano y el torno y Don Gil de las calzas verdes .

Se le atribuyen, aunque no se incluyeron en las Partes de sus comedias, dos obras de contenido filosófico de gran importancia: El burlador de Sevilla y convidado de piedra y El condenado por desconfiado . Su obra en prosa incluye una Historia de la orden de la Merced y dos obras misceláneas: Cigarrales de Toledo (1621) y Deleitar aprovechando (1635).


OBRA

Se han conservado unas sesenta piezas dramáticas de Tirso de Molina. Sin embargo, según su propio testimonio en el prólogo a la Tercera Parte, sin duda algo exagerado, habría escrito en 1634 unas cuatrocientas, con lo que habría sido uno de los dramaturgos más prolíficos del Siglo de Oro. La atribución de algunas de sus obras presenta, sin embargo, todos los ingredientes del más intrincado de los rompecabezas bibliográficos.
La obra dramática de Tirso de Molina se caracteriza por la enorme complicación de sus argumentos, que a veces se hacen harto difíciles de seguir, como en el caso de Don Gil de las calzas verdes; posee, sin embargo, el secreto de la intriga y sabe cómo interesar al espectador. Sus personajes poseen una profundidad psicológica mayor que en otros dramaturgos de la época, y sus caracteres femeninos destacan a menudo en sus obras, como por ejemplo la reina María de Molina en La prudencia en la mujer. También suelen ser increíblemente enredadores e intrigantes, de manera que siempre saben salirse con la suya y tienen salidas para las situaciones más apuradas, lo que atestigua el ingenio del fraile mercedario.
Tirso destacó sobre todo en la comedia, con piezas como Marta la Piadosa, Por el sótano y el torno, Don Gil de las calzas verdes, La villana de Vallecas y, dentro de la comedia palatina, El castigo del penseque, El amor médico y sobre todo El vergonzoso en Palacio. Cultivó también las obras religiosas, tanto los autos sacramentales (El colmenero divino, Los hermanos parecidos, No le arriendo la ganancia) como los dramas hagiográficos (Santo y sastre, la trilogía de La santa Juana) y bíblicos (La mejor espigadora, sobre la historia de Ruth, y La vida y muerte de Herodes).

El estilo de sus obras es abiertamente conceptista, muy jugador con los vocablos, y en sus últimas obras algo culterano, pero siempre sobre un fondo conceptista.

SONETOS

*****

Sale el sol por el cielo luminoso
las nubes pardas de oro perfilando,
y con su luz los montes matizando
ilustra el campo su zafir hermoso.

Veloz pasa su curso muy furioso
y cuando la quietud solicitando
halla otro mundo que voceando
al sol le pide su esplendor hermoso,

a la campaña salgo defendido
de fuertes rayos de mi estoque ardiente
a quien se rinde el bárbaro vencido.

Y cuando del descanso solamente
busco un instante, torpe mi sentido
me acomete el amor eternamente.

*****

Del castizo caballo descuidado
el hambre y apetito satisface
la verde hierba que en el campo nace,
el freno duro del arzón colgado;

mas luego que el jaez de oro esmaltado
le pone el dueño, cuando fiestas hace,
argenta espuma, céspedes deshace,
con el pretal sonoro alborozado.

Del mismo modo entre la encina y roble,
criado con el rústico lenguaje,
y vistiendo sayal tosco he vivido;

mas despertó mi pensamiento noble,
como al caballo, el cortesano traje:
que aumenta la soberbia el buen vestido.


EL BURLADOR DE SEVILLA

Argumento

Esta obra de teatro se centra en las hazañas amorosas de un caballero, don Juan Tenorio, que valiéndose de su ingenio y su buena presencia, engaña a cuanta doncella y dama bella se le pone al alcance y también a sus padres o pretendientes. Se narra como debe huir de Nápoles por una de sus afrentas y como en su viaje a Sevilla realiza otros engaños. En uno de ellos da muerte al padre de la engañada y luego el padre vuelve de la tumba para vengarse y llevarse consigo a don Juan.

PERSONAJES

Don Juan Tenorio: Es “El burlador de Sevilla” que da nombre a la obra. Muchacho noble pero dado a los engaños para conseguir los favores de las damas. Es un personaje que se convertirá en mito y que tiene una larga tradición literaria.

Catalinón: Criado de don Juan, al que siempre reprende por su conducta, aunque permanece fiel a su señor.

Duquesa Isabela: Dama que es al comienzo de la obra engañada por don Juan para gozarla.

Duque Octavio: Pretendiente de Isabela. Por la deshonra de don Juan debe huir de Nápoles.

Tisbea: Bella pescadora que también es engañada por don Juan con la promesa de casarse con ella.

El rey de Castilla: Figura que aparece durante toda la obra protegiendo a don Juan a petición de su padre y que intenta mediar en las faltas del hijo.

Don Diego Tenorio: Padre de don Juan, quiere proteger a sus hijos de todos los que quieren vengarse de sus afrentas.

Doña Ana de Ulloa: Otra joven cortesana que es engañada y gozada por don Juan.

Don Gonzalo de Ulloa: Padre de Ana, muere a manos de don Juan al tratar intentar vengar el honor de su hija. Sin embargo volverá de la tumba para matar a don Juan.

Marqués de Mota: Primo de Ana, que la pretende y que también es burlado por don Juan.


- La primera edición de EL burlador de Sevilla se realizó en Barcelona en 1630, una segunda en Madrid en 1645 y una tercera en Toledo en 1677.

- En la obra se dramatiza una vieja leyenda que siendo internacional es esencialmente española, la del mancebo que convida a cenar a una calavera o a una estatua.

- La obra tiene un aspecto teológico, ya que el protagonista está recibiendo constantes advertencias del mal fin que tendrán sus actos. Además el personaje de don Juan tiene un aspecto moral, está dividido en dos, cree en Dios, pero le domina el impulso del deseo. Es al mismo tiempo una crítica de la nobleza de la época y en general una crítica social. Don Juan es un personaje complejo, que no tiene una sola cara, sino que mezcla el bien y el mal.

- Es el personaje más extraordinario del teatro español y es muestra de ello lo rápido que se difundió por toda Europa. Lo retrataron también Moliere, Dumas y Zorrilla. Su importancia puede ser comparada en la literatura con Don Quijote, Hamlet y Fausto.

Félix Lope de Vega y Carpio

VIDA:

(Félix Lope de Vega y Carpio, Madrid, 1562-1635)

Escritor español. Lope de Vega procedía de una familia humilde y su vida fue agitada y llena de líos amorosos. Su padre se trasladó a Madrid y ahorró dinero para proporcionar a su hijo una educación digna de un noble, desde muy niño Lope demostró gran facilidad para los estudios y muy buena disposición para los idiomas y la literatura, cuando tenía 13 años escribió su primera comedia el verdadero amante que fue todo un éxito. A los 14 años se escapó con unos amigos, pero no tardaron en ser encontrados y devueltos a sus casas, pero el joven regreso a Madrid para seguir escribiendo obras de teatro. Estudió y cursó estudios universitarios, aunque no consiguió el grado de bachiller. Se dedicó a sus dos pasiones: el amor y la literatura. Se enamoró de la popular actriz Elena Osorio la aventura con la dama casada duro 5 años hasta que la actriz encontró un admirador más rico, el amante abandonado se vengó de la dama infiel de una forma muy original escribió unos epigramas satíricos sobre ella y los repartió entre el elenco de actores, en respuesta Elena Osorio lo denuncio por libelo por lo que lope de vega fue condenado a 8 años de destierro de la capital, tres meses después contrajo matrimonio y tres semanas después del enlace se embarco en un galeón que formaba parte de la armada invencible, tras la derrota de la armada invencible entro al servicio del duque de alba y se estableció en valencia con su esposa, el modesto trabajo de secretario le permitia dedicarse de lleno a su obra en esta época escribió muchas de sus comedias mas conocidas, lope de vega regreso a Madrid dejando a tras las tumbas de seres muy queridos para el la de su esposa y sus dos hijos pequeños en Madrid encontró trabajo y conoció a su nueva musa la gran actriz Micaela de lujan sus amoríos no se vieron interrumpidos por el nuevo matrimonio del escritor con juana guardo, durante todos esos años lope no dejo de escribir para el teatro las comedias de intrigas y las comedias de capa y espada que salian de la pluma de lope de vega se vendían como churros a veces escribía por encargo a una velocidad vertiginosa creando una comedia de tres actos en dos o tres días la popularidad del dramaturgo alcanzo su punto álgido era conocido como el colon de las indias poeticas y el fénix de los ingenios. En la primera década del siglo 17 los temas religiosos aparecieron con mayor intensidad en las obras del dramaturgo lope disfrutaba de la plena confianza de los inquisidores, tres años más tarde lope de vega ingreso en la orden tercera de san francisco y tras la muerte de su esposa e hijo recibe las ordenes sacerdotales sin embargo su hábito no le aparto de sus actividades literarias lope de vega ya era un anciano cuando conoció a su ultimo amor la joven marta de nevares inmortalizo a su amada con su pluma dedicándole algunas novelas y una de sus mejores comedias la viuda de valencia los últimos años de la vida de lope de vega fue una sucesión de desastres uno de sus hijos falleció cuando buscaba perlas por Venezuela una de su hija menor fue secuestrada y deshonrada y la mujer que amaba perdió la vista el juicio y la vida pero ni siquiera estas tragedias consiguieron hacer que el escritor abandonase su trabajo creativo acabo su último poema cuatro días antes de su muerte el gran escritor español falleció el 27 de agosto del año 1635 y fue sepultado en la iglesia de san sebastian lope de vega afirmo que había escrito alrededor de 1500 obras a lo largo de su vida hasta nuestros días solo han llegado 426 comedias 48 auto sacramentales y diversas obras religiosas.




OBRA:

La obra y la biografía de Lope de Vega fueron de una exuberancia casi anormal. Como otros escritores de su tiempo, cultivó todos los géneros literarios. Pero donde vemos al Lope renovador es en el género dramático. Escribió alrededor de 1.500 obras de teatro de las que se conservan unas 300. Con razón se le llamó el Fénix de los Ingenios y también Monstruo de la Naturaleza. Obras importantes son: Fuenteovejuna; El mejor alcalde, el Rey; El caballero de Olmedo; Peribáñez y el comendador de Ocaña; El castigo sin venganza... Después de una larga experiencia de muchos años escribiendo para la escena, Lope compuso, a petición de la Academia de Madrid, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo.

De las tres unidades -acción, tiempo y lugar-, Lope sólo aconseja respetar la unidad de acción para mantener la verosimilitud, y rechaza las otras dos, sobre todo en las obras históricas, donde se comprende el absurdo de su observación; aconseja la mezcla de lo trágico y lo cómico, de ahí la enorme importancia de la figura del gracioso en su teatro y, en general, en todas las obras del Siglo de Oro; regulariza el uso de las estrofas de acuerdo con las situaciones y acude al acervo tradicional español para extraer de él sus argumentos (crónicas, romances, cancioncillas).

CARACTERÍSTICAS DE SU TEATRO:

Lope de Vega crea un esquema dramático nuevo que se conoce con el nombre de teatro nacional o comedia nacional.

Las innovaciones principales son las siguientes:

Mezcla lo trágico y lo cómico. Antiguamente se reservaba lo trágico para la tragedia y lo cómico o gracioso para la comedia.
Mezcla personajes nobles y plebeyos. No hay separación por razón de escala social; aunque entre el personaje y su modo de hablar, vestir y comportarse hay una adecuación perfecta.
Introduce bailes y cantos populares. Esto da variedad y espectacularidad a la obra.
Combina estrofas muy diversas. Sus obras están en verso; pero no utiliza el mismo verso o la misma estrofa en todas ellas.
División en tres actos. Las obras se dividen en tres actos que suelen corresponder con la exposición, la trama y el desenlace.


Fragmento de “El caballero de Olmedo".

En demanda de justicia
TELLO
Dejadme entrar.
REY
¿Quién da voces?
CONDESTABLE
Con la guarda un escudero
que quiere hablarte.
REY
Dejadle.
CONDESTABLE
Viene llorando y pidiendo
justicia
REY
Hacerla es mi oficio.
Eso significa el cetro.
TELLO
Invictísimo don Juan,
que del castellano reino,
a pesar de tanta envidia,
gozas el dichoso imperio:
con un caballero anciano
vine a Medina, pidiendo
justicia de dos traidores;
pero el doloroso exceso
en tus puertas le ha dejado,
si no desmayado, muerto.
Con esto yo, que le sirvo,
rompí con atrevimiento
tus guardas y tus oídos:
oye, pues te puso el cielo
la vara de su justicia
en tu libre entendimiento,
para castigar los malos
y para premiar los buenos:
la noche de aquellas fiestas
que a la Cruz de Mayo hicieron
caballeros de Medina,
partió de Medina a Olmedo
don Alonso, mi señor,
aquel ilustre mancebo
que mereció tu alabanza,
que es raro encarecimiento.
Quedéme en Medina yo,
como a mi cargo estuvieron
los jaeces y caballos,
para tener cuenta dellos.
Cuando partí de Medina,
y al pasar un arroyuelo,
puente y señal del camino,
veo seis hombres corriendo
hacia Medina, turbados,
y aunque juntos, descompuestos.
Paso adelante, ¡ay de mí!,
y envuelto en su sangre veo
a don Alonso expirando.
Aquí, gran señor, no puedo
ni hacer resistencia al llanto,
ni decir el sentimiento.
REY
¡Extraño caso! Dime,
pues pudiste conocerlos,
¿quién son esos dos traidores?
¿Dónde están? Que ¡vive el cielo,
de no me partir de aquí
hasta que los deje presos!
TELLO
Presentes están, señor:
don Rodrigo es el primero,
y don Fernando el segundo.
CONDESTABLE
El delito es manifiesto,
su turbación lo confiesa.
D. RODRIGO
Señor, escucha...
REY
Prendedlos
y en un teatro mañana
cortad sus infames cuellos.

jueves, 13 de mayo de 2010

Pedro Carderón de la Barca

Biografia

Pedro Calderón de la Barca nació en Madrid el 17 de enero de 1600 de familia hidalga. Se educó en el Colegio Imperial de los Jesuitas en Madrid, en el que se familiarizó con los poetas clásicos latinos. En 1614 se matricula en la Universidad de Alcalá y, el año siguiente, en Salamanca, donde estudió Cánones y Derecho hasta 1620.

Fue soldado en la juventud y sacerdote en la vejez, lo que era bastante habitual en la España de su tiempo. En sus años jóvenes su nombre aparece envuelto en varios incidentes violentos, como una acusación de homicidio y la violación de la clausura de un convento de monjas. De su vida militar existen pocas noticias, aunque consta que tomó parte en la campaña para sofocar la rebelión de Cataluña contra la Corona (1640).

Contrasta lo impulsivo y mundano de su juventud con lo reflexivo de su madurez. En 1642 pide su retiro como militar y entra al servicio del duque de Alba. Goza, desde entonces de un período de tranquilidad para la creación literaria. En 1651 recibe las órdenes sacerdotales y se traslada a Toledo como capellán de los Reyes Nuevos.
Vuelve en 1663 a Madrid por orden de Felipe IV que le nombra capellán de honor. Murió en Madrid el 25 de mayo de 1681.

Obras

Calderón escribe sobre todo comedias y autos sacramentales. Hacia 1623 estrena sus primeras comedias y pronto, Felipe IV le convierte en dramaturgo oficial de la corte. Sin embargo, su momento de mayor esplendor empieza a partir de 1642, cuando se retira del ejército y entra al servicio del duque de Alba. En esta época goza de un período de tranquilidad para dedicarse a la creación literaria. Para las fiestas de palacio compone numerosas obras.

En el estilo de sus comedias se pueden apreciar dos tendencias: una que sigue más de cerca el teatro realista, nacional y costumbrista de Lope y su escuela; y otra, diferenciada del estilo anterior, más personal. Esta tendencia incluye las comedias más poéticas y simbólicas, con intensificación de los valores líricos y del contenido ideológico. Las aportaciones de Calderón lo diferencian, aún sin renunciar a ninguna de las innovaciones de Lope, claramente frente a este último en todos los campos - contenido, técnica arquitectónica, tratamiento de los personajes: En Calderón la novela adquiere un mayor rigor constructivo y profundidad conceptual; mediante la estilización, la tendencia al simbolismo y la jerarquización de los personajes.

En todas las obras los elementos confluyen hacia un eje central, representado por un motivo único y un personaje que destaca fuertemente sobre los demás. La obra se despoja de lo secundario y, cuando aparece una plural intriga dramática, está jerarquizada de tal modo que no rompe en nada la unidad que impone el eje central mencionado.

El estilo barroco de Calderón

En Calderón confluyen muchos estilos barrocos porque crea cuando todas las tendencias barrocas han llegado a su pleno desarrollo.Hace uso de innumerables figuras: correlaciones y paralelismos, contrastes, cuantiosas hipérboles en el lenguaje y en la conformación de los personajes, comparaciones.Sus personajes también muestran su barroquismo: dotados de ilimitada violencia, rasgos desmesurados, trazos muy marcados y se contraponen entre ellos.

Los autos sacramentales

Los autos sacramentales son representaciones dramáticas en un solo ato, de carácter alegórico y referidas a la Eucaristía, que se representaban en la festividad del Corpus. En los autos sacramentales, Calderón dramatiza conceptos abstractos de la teología católica convirtiéndolos en personajes, por lo que al público le resultan reales. Aparecen en escena Dios, la Discreción, la Hermosura y otros entes abstractos. Estos autos aparte de tener un gran valor literario cumplían la función de transmitir la teología al gran público. En ellos se resumen todas las verdades esenciales del dogma y pensamiento católico.

Fama de Calderón
Calderón fue un autor enormemente admirado por los grandes autores europeos: Goethe consideraba a Calderón el gran genio del teatro. Schlegel llegó a afirmar que Calderón había resuelto el enigma del universo en algunos de sus dramas. También algunos románticos ingleses, como Shelley, vieron en Calderón al poeta dramático y lírico más grande.
Calderón es el dramaturgo por excelencia del barroco español. El sentido teológico y metafísico de su tiempo informa todas sus obras, donde aúna la fe y la razón, y, sin embargo, su debate entre deseos y terrores que el verbo intenta vanamente comprender remite al presente.

Obras mas famosas

La vida es sueño.
El tema central es la libertad frente al destino.Consta de tres actos o jornadas. La primera jornada, que tiene ocho escenas, se desempeña como contextualizador (es decir que en ella se presentan a los personajes y la ubicación espacio-temporal de la historia). En la segunda jornada, que tiene 19 escenas, aparece el conflicto, nudo o problema. Y en la tercera jornada, de catorce escenas, tiene lugar el desenlace o resolución. La obra tiene un tono dramático, pero no llega a ser tragedia. Pertenece al género teatral del barroco, concretamente, al teatro popular. A la muerte de Lope de Vega, Calderón continuó con la evolución del teatro que había dejado planteado. Así, en La Vida es Sueño, pueden verse algunas de las características de esta nueva forma de comedia instituida por Lope de Vega.

Personajes:

Segismundo: personaje principal, a cuyo alrededor se desarrolla toda la obra. Viéndosele en un principio como hombre-fiera, se lo describe como alma reprimida. A lo largo de la obra, va evolucionando: al principio busca la venganza, comportándose en forma cruel y despiadada, pero luego aparecen en él ciertos rasgos de humanidad

(Este es el soliloquio más famoso del drama español;ocurre al final del primer acto, cuando Segismundopiensa en la vida y en su suerte.)

Sueña el rey que es rey, y vive
con este engaño mandando,
disponiendo y gobernando;
y este aplauso, que recibeprestado,
en el viento escribe,
y en cenizas le convierte
la muerte, ¡desdicha fuerte!
¿Que hay quien intente reinar,
viendo que ha de despertar
en el sueño de la muerte?

Sueña el rico en su riqueza,
que más cuidados le ofrece;
sueña el pobre que padece
su miseria y su pobreza;
sueña el que a medrar empieza,
sueña el que afana y pretende,
sueña el que agravia y ofende,
y en el mundo, en conclusión,
todos sueñan lo que son,
aunque ninguno lo entiende.

Yo sueño que estoy aquí
destas prisiones cargado,
y soñé que en otro estado
más lisonjero me vi.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño:
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.

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Rosaura: personaje principal femenino, que une fuerzas con Segismundo para impedir que Astolfo se convierta en rey y así evitar que se case con Estrella.

Basilio: rey de Polonia, padre de Segismundo. Es un hombre preocupado por lo que pueda sucederle a su Pueblo. Teme a Segismundo desde que ha escuchado al oráculo le dice el hado. Al final admite sus errores.

Clotaldo: ayo de Segismundo. Es el único, aparte del rey, que puede verle. Le ha enseñado a Segismundo todo lo que sabe. Se muestra como un personaje anciano, que ha vivido anteriormente aventuras amorosas (es el padre secreto de Rosaura).

Astolfo: duque de Moscovia, con el que Basilio hace un trato para mantener el trono de Polonia. Está dispuesto a casarse con Estrella a pesar de amar a Rosaura. Al fin consigue su amor deseado.

Estrella: bella y noble infanta de la corte de Basilio dispuesta a casarse con Astolfo por mantener el trono. Al fin acaba casándose con Segismundo.

Clarín: compañero de Rosaura. Es muy ingenioso, responde al arquetipo de cómico.

El mágico prodigioso es un drama compuesto en 1637 y estrenado en las fiestas del corpus en la villa de Yepes (Toledo). La obra se enmarca en el género de las comedias de santos y el final, pese a suponer la muerte de los dos protagonistas, no llega a caracterizarla de tragedia, pues afrontan sus últimos instantes vitales como mártires cristianos yendo al encuentro con su fin con serena felicidad.

El gran teatro del mundo es un obra teatral. Pertenece al género del auto sacramental. Fue publicado por primera vez en 1655 y escrito probablemente en la década de 1630. Es el auto sacramental más famoso de Calderón.El tema fundamental que articula este auto de Calderón es el de la vida humana como un teatro donde cada persona representa un papel.

El gran mercado del mundo es una obra teatral. La obra es un auto que se compone de una introducción, en la que la Fama convoca el Gran Mercado del Mundo, y cinco momentos. l tema del primer momento es el padre del género humano y su moralidad, el Padre de Familia, apareciendo el Buen Genio y el Mal Genio, que compran en el mercado para gusto de la Gracia y compiten por su satisfacción y su desposorio. E el segundo momento, la Gula y la Lascivia, con la Culpa como servidor, se encuentran con los genios, de los cuales el Buen Genio advierte que la Culpa quiere arrebatarle su Inocencia, y se marcha, quedando sólo el malo.El Mercado abre en el tercer momento, y se realizan las compras y las ventas de los productos, gastando cada cual sus talentos, unos para bien y otros para mal.El último momento cuenta los premios y los castigos que recibe cada uno. De nuevo aparecen el Padre de Familias y la Gracia. Cada genio muestra lo que ha comprado con sus talentos, y se demuestra que el ganador es el bueno.

La dama duende es una comedia. Se considera compuesta y estrenada en el año 1629. Se publicó por primera vez en la Primera parte de comedias de don Pedro Calderón de la Barca, en 1636. a dama duende pertenece al subgénero de la comedia de capa y espada. Como es habitual en este tipo de comedias, es la protagonista femenina, Doña Ángela, quien constituye el motor de la acción. Su objetivo será conquistar a Don Manuel, burlando la vigilancia que sobre ella ejercen sus dos hermanos varones. Para ello, trazará un ingenioso engaño que le permita comunicarse con Don Manuel de manera aparentemente misteriosa e inexplicable, de donde el título de la pieza.

Fortunas de Andrómeda y Perseo es una obra estrenada el 18 de mayo de 1653 en el Coliseo (Palacio del Buen Retiro de Madrid).Se trata de una semi-ópera, es decir, una obra teatral con elevado tono moral, simbolismo y un claro mensaje político en las que la música tenía una gran importancia dramática. Al igual que la mayoría de las semi-óperas de Calderón se basa en un mito: Mercurio y Palas quieren liberar a Perseo de su ansiedad revelándole que su padre es Júpiter. La Discordia, por despecho, intenta frustrar su plan y al final es derrotada.
Amor, honor y poder es la primera comedia conocida de Calderón de la Barca. Calderón estrenó esta obra en el viejo Alcázar de Madrid, el 29 de junio de 1623, a la edad de veintitrés años. La obra fue representada por primera vez por la compañía cómica de Juan Acacio Bernal. La comedia cuenta la historia del rey Eduardo de Inglaterra y de sus amores con la condesa de Salveric.

El alcalde de Zalamea escrita presumiblemente en 1636. Es una de las obras más conocidas y representadas del Siglo de Oro de la literatura española. Se encuadra dentro de la literatura barroca y se clasifica como un drama de honor. Trata de contraponer, al reflejo de las preocupaciones de la Edad Moderna, el individuo al poder político. También se enfrenta el honor estamental a la virtud personal y por último, sociológicamente personifica el equilibrio de poder en el municipio moderno.


El teatro barroco

EL TEATRO BARROCO

El género teatral se convirtió en uno de los más representativos del Barroco. Se llevaron a escena gran cantidad y variedad de asuntos: religiosos, caballerescos, pastoriles, sucesos históricos...

Las obras teatrales se representaban en corrales, que eran patios rodeados de casas. Asistía un público ansioso de ver acción y deseoso de ser sorprendido.

Las obras más representadas eran las comedias que, según los autores del Barroco, eran obras teatrales en las que se mezclaba lo trágico con lo cómico.


TEMAS DEL TEATRO BARROCO

El honor, sentimiento muy arraigado en la sociedad española del siglo XVII. Cuando el honor quedaba manchado por una ofensa, debía ser lavado incluso con la sangre. Este honor no era sólo patrimonio de la nobleza, sino que también los villanos luchaban por mantenerlo intacto.

La religión, tema muy tratado por los dramaturgos barrocos. Se cuestionan tema teológicos, siendo el más frecuente el de la Eucaristía, que dio origen a los Autos Sacramentales. Son obras de un solo acto en verso, con personajes alegóricos como el vicio, la mentira, el pecado...

La tradición nacional es otro de los temas llevados a escena: canciones populares que sirven de inspiración para crear comedias; temas de historia de España, de nuestra tradición nacional, así como una gran variedad de asuntos caballerescos, pastoriles y mitológicos.

PERSONAJES

En las obras dramáticas del Barroco se repiten con más frecuencia tres tipos de personajes:

El galán, hombre apuesto y valeroso, portador de valores nobles como la valentía, hidalguía, audacia...

La dama, de singular belleza, noble y con altos sentimientos amorosos.

El gracioso, criado del galán, consejero de su amo y amante del buen comer.